Esta sudando tinta china -Alfonso Lanzagorta Sumi-e o Suiboku (墨絵; también "水墨画;" 'suibokuga'?) es una técnica de dibujo monocromático en tinta de la escuela de pintura japonesa. Se desarrolló en China durante la dinastía Tang (618 - 907) y se implantó como estilo durante la dinastía Song (960 - 1279). Fue introducida en el Japón a mediados del siglo XIV por monjes budistas zen y creció en popularidad hasta su apogeo durante el Período Muromachi (1338 - 1573). El pincel asiático con la tinta a base de carbón aplicado en papel o seda. El elemento formal en este proceso es la línea, variando de grosor y de concentración de la tinta. Se usa generalmente en el naturalismo y expresionismo a través de la historia para representar paisajes, animales, flora, y otros objetos, Wang Wei se le acredita como el artista quien empezó a aplicar color a las pinturas de tinta. Wang Wei era uno de los hombres más reconocidos por su arte y su poesía durante la dinastía Tang (618-907), una de las épocas doradas de la historia cultural china. Las pinturas de Wang Wei eran innovadoras y tradicionales, su combinación de sus pinturas y sus habilidades en la poesía es lo que lo volvió famoso. Los artistas del “ink wash” practicaban durante años los pincelazos básicos para refinar el movimiento de los pinceles. En un solo movimiento se puede producir variaciones en la tonalidad desde negro a gris plateado. Aunque la revolución cultural de 1966 a 1976 hizo que surgiera el realismo socialista, artistas de generaciones contemporáneas han regresado al uso de la tinta como métodos para pintar haciendo que se explore el patrimonio cultural y la representación de la vida moderna. Un artista que hace utiliza este método antes de hacer sus esculturas es Eduardo Chillida y Yoonjin Jung. Esto es importante para el mundo del arte porque es tomar tradiciones muy viejas de otras culturas y seguirlas usando. No es malo para el medio ambiente y lo único que se necesita es paciencia y tiempo para que quede como deseas. Nota por Nuria Rodríguez Para más información: http://en.wikipedia.org/wiki/Ink_wash_painting http://www.chinaonlinemuseum.com/painting-wang-wei.php https://artsy.net/artist/yoonjin-jung http://www.stumbleupon.com/su/7onzeO/irq@9BVK:Ev..qJ2_/www.youtube.com/watch?v=fq9mw8wR-1Q
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“Quiero que los espectadores piensen en el pasado, el futuro y perspectivas actuales como estar en constante estado de flujo "- Neudecker Artista alemán con sede en Reino Unido, Mariele Neudecker, ha trabajado para fusionar la química y la escultura en su actual serie Tank Works, que consta de paisajes tridimensionales construidos dentro de grandes acuarios. Nacida en 1965 en Düsseldorf, Alemania, Mariele reside y trabaja en Bristol, Reino Unido en una amplia gama de obras que incluyen la escultura, la instalación artística, el cine y la fotografía. Inspirada por las obras románticas y abstractas del arte, Neudecker llena los tanques de cristal con agua y objetos escultóricos, tales como modelos de barcos, árboles y montañas y a continuación, añade mezclas de varios productos químicos, provocando reacciones que crean un ambiente único al mismo tiempo formando climas que cambian gradualmente con el tiempo. El resultado es una representación interesante de imágenes bidimensionales recreadas como obras dinámicas-escultóricas que tientan las fibras sensibles de los sentidos de quien admira su trabajo. Dentro de su reparto de obras se encuentran las esculturas esféricas que ponen de cabeza paisajes dentro de orbes de cristal. Cada pieza presenta un espectáculo fascinante que pone a prueba las habilidades de interpretación de los espectadores. En cada obra pueden representarse conjeturas propias del artista o pueden representarse problemas globales que mediante las obras reciben más atención y explota la capacidad intuitiva cognoscitiva del ser humano. Como explica Neudecker: "Mis trabajos lidian con las ideas de la percepción y la distorsión de ambos: realidades y ficciones e intento mantener al margen la narrativa de mis esculturas[...] Mi proceso se basa en reproducciones de metáforas y mitos y busco que en las imágenes los espectadores reflexionen en el pasado, el futuro y su actualidad, como estar en constante estado de flujo " Los modelos producidos por Neudecker son tan magníficos que uno puede oprimir la cara contra el cristal y la ilusión de la realidad no se puede disipar. Pero también es crucial para el objetivo de Neudecker que uno sea capaz de mirar directamente en su propia imaginación sin preguntarse por el mensaje dentro de cada obra. Así Neudecker ha demostrado ser uno de esos artistas excepcionales cuya inteligencia corresponde con su habilidad artística y sabe cómo liberar la imaginación de los demás. A través de sus trabajos Neudecker intenta vincular y conectar la naturaleza con la cultura del humano. El objetivo que ella busca es desafiar las formas convencionales de ver el mundo y las cosas con el fin de concientizar a quienes admiran sus obras en el medio que los rodea. Su trabajo cuenta con un trasfondo de investigación científica que utiliza como su medio de inspiración para tratar temas actuales de interés global. Las representaciones tridimensionales suelen tener un impacto mayor en los sentidos del espectador, y los modelos de Neudecker explotan las virtudes de estas obras explotar la abstracción de las obras y generar una concientización real en cada espectador en problemas globales. Algunas de sus obras exploran el problema del cambio climático con la representación de los icebergs glaciares dentro de una orbe de cristal, deleitando con un paisaje sencillo y sin mensajes adicionales, el espectador genera una consciencia individual de una problemática colectiva que se valora más que las formas de arte directa que intenta inspirar con imágenes y fotografías sin poner atención en los demás sentidos del cuerpo. Nota escrita por: Laura Maria Mandujano
Para saber más: http://www.marieleneudecker.co.uk/neudeckerwork.html http://www.mymodernmet.com/profiles/blogs/mariele-neudecker-tank-works?context=tag-art http://www.mymodernmet.com/profiles/blogs/mariele-neudecker-400-thousand-generations-parahelion http://www.theguardian.com/theobserver/2000/oct/08/1 http://www.formatnetwork.com/mariele/neudecker.htm “El buen vivir puede significar mucho más que sólo tener un refugio, comida y ropa.” Inventado hace más de cinco décadas, el contenedor de transporte moderno es la pieza clave en nuestra red de distribución global de productos. En los recipientes pueden ir juguetes de China, textiles de la India, el grano de Estados Unidos y los automóviles de Alemania. Un sinnúmero de personas ingeniosas han convertido contenedores de transporte en albergues improvisados para la sociedad marginada durante años, los arquitectos y diseñadores verdes cada vez recurren más a materiales reciclados o baratos como bloques de construcción. Los contenedores de transporte se pueden modificar fácilmente con una serie de comodidades, y se pueden conectar y apilar para crear espacios modulares y eficientes por una fracción del costo, mano de obra y los recursos de los materiales más convencionales. El costo para comprar un contenedor de carga es de $2,000 dólares americanos. El costo de cómo usarlo y decorarlo depende del consumidor y cuantos elementos sean incorporados. Hay diferentes diseños y estilos de usos de contenedores de carga algunos ejemplos son: Contendedor de Carga como Casa de Visitas: La casa de visitas esta hecha de solo una caja de contendedor reciclada. Debido a la naturaleza del envase existe un amplio abanico de posibilidades para decorarla, pero tomándolo como un desafio los resultados pueden ser tan impresionantes como este. El contenedor fue pintado de azul y en dos secciones se cortaron y se montaron las ventanas y grandes puertas correderas. Hay un pequeño patio en frente y por encima de ella un poco de techo para la lluvia. Los paneles de madera en las paredes interiores dan la sensación de calidez y confort. Esta idea única y el diseño pertenece a la compañía Proteet Architects. Contendedores de Carga de Kalkin: El arquitecto Adam Kalkin de Nueva Jersey, diseño y construyo su propia casa con contenedores de transporte reciclados. El costo por diseñar y comprar los materiales fue de aproximadamente $1000 dólares. La selección del material se debió a la durabilidad del contenedor.. Esta casa es enorme y la estructura en diferentes niveles. El diseño del contenedor consiste en una casa dentro de una casa, porque en el interior del enorme edificio hay componentes individuales más pequeños que asemejan una casa convencional. Starbucks Hecho de Contenedores Una idea atrevida de un hombre de negocios ha imaginado su nuevo Starbucks construido un poco diferente en comparación a lo que estamos acostumbrados a ver. Esa loca idea provino de su amplio uso de estos contenedores para enviar su café y té de todo el mundo. Tal vez esto es sólo una estrategia fresco, por querer asociar sus productos con frescura, desde ese punto de vista que por el momento no estamos interesados. El hecho de que su nuevo edificio puede albergar sólo máquinas de café y una pequeña zona de trabajo para los empleados hacen de esta una elección perfecta. Transporte de Contenedores Conversión Por Building Lab Inc. : Diseñador Stephen Schoup construyo una nueva área de trabajo. Sus preocupaciones sobre el medio ambiente y la sostenibilidad lo convencieron aportar una manera inusual para crear el área de trabajo adicional. La gran cosa acerca de esta estructura es que permite Stephen incorporar una gran cantidad de materiales sobrantes y materiales de construcción que había tendido alrededor del patio. El resultado equilibra el estilo industrial y la aparición de almacén con el gran espacio abierto se encuentra alrededor de la estructura. El interior es perfecta para una zona de oficinas y el espacio es utilizado a su máximo potencial. Hay espacio suficiente para una pequeña reunión y también muy bien equipado así, los que trabajan allí tienen todo lo que puedan necesitar a la mano. Alterra Beach Resort Usa Contenedores para Cabañas Private Glamping: Su aspecto minimalista centra la atención en el paraíso afuera. El complejo era originalmente una galería de arte y para transformarla en un hostal cambiaron algunos de los espacios y ha añadido algunas cabinas adicionales. Se puede ver en este lugar como un lugar para el alma y el cuerpo con precios que comienzan alrededor de $1.100 por semana. En Londres la Primera Pop-Up 'Transporte de Contenedores Abre Centro Comercial en Shoreditch: Espacios comerciales vienen en diferentes formas y diseños para atraer a tantos clientes como sea posible a través de una mirada atractiva. Boxpark Shoreditch es el primer centro comercial pop-up de Londres, realizada completamente en contenedores de transporte. Este mini centro comercial loco es conveniente, para los peatones y lleno de algunas de las tiendas más populares. El espacio compacto se divide y explota en su límite en contraste con los centros comerciales habituales con grandes aparcamientos y caminos sin fin. Todo el centro está hecho de 61 contenedores y 41 de ellos están situados en la sección de terreno en sencilla huella rectangular. El uso de los contenedores es innovador e interesante y puede ser percibido como una tendencia para otros negocios que no necesariamente necesitan un gran espacio interior. El uso del contenedor tiene un gran movimiento social por su precio económico y conservador del medio ambiente. Como hemos visto anteriormente muchas compañías, negocios y familias lo usan por su abundancia, espacio, impacto ecológico y bajo costo. Esta alternativa es de rápida instalación, menos costoso y 100% reciclable si no se ha deteriorado.
El uso de los contenedores como una nueva forma de arquitectura tiene un gran impacto ambiental. Los contenedores son de los huesos de acero y son estructuralmente más resistentes que un marco de madera. Son a prueba de moho, a prueba de fuego y a prueba de termitas. Además de eso, los contenedores se pueden convertir en complejos residenciales en zonas remotas, para ser transportados y luego se ensamblados en el lugar. Sin embargo, eso no quiere decir que son perfectos: Los contenedores mantienen residuos de pesticidas y otros productos químicos que se utilizaron para que fueran seguros para el transporte de mercancía. También utilizan una gran cantidad de energía y producen una gran cantidad de desechos para ser realmente habitable. La concientización del reciclaje ha sufrido un nuevo impulso gracias a estas alternativas atrevidas que reducen la explotación de recursos naturales mientras que al mismo tiempo impulsan la economía de las comunidades y países. Para saber más: http://www.trueactivist.com/a-shipping-container-costs-about-2000-what-these-15-people-did-with-that-is-beyond-epic/ http://www.architecturendesign.net/22-most-beautiful-houses-made-from-shipping-containers/ http://www.popularmechanics.com/home/shipping-container-homes-460309#slide-1 http://www.homedsgn.com/tag/shipping-container-house/ Nota escrita por: Laura Maria Mandujano "Perder nuestro nombre es como perder nuestra sombra; Ser sólo nuestro nombre es reducirnos a ser sombra" -Octavio Paz Este tipo de arte empieza con el surgimiento se la sombrología que el arte de presentar una historia o un show usando imágenes con las manos. Empezó en el siglo IXX cuando la electricidad se voltio algo disponible en los hogares aunque ya se hacía desde hace tiempo. Félicien Trewery fue el que popularizo el arte haciendo siluetas de personajes famosos. Es una forma única de arte escultórico donde las sombras 2D emitidos por una escultura en 3D son esenciales para el efecto artístico. Los objetos sólidos, como los números de madera o de aluminio tallados son golpeados por una sola fuente de luz para revelar un ser interior, una persona u otro objeto. La dimensión, el tamaño, el color, la textura, el silencio, el ruido, la tensión, la simplicidad, la complejidad, el brillo y mucho más son los factores que muestran y ocultan mensajes y pensamientos, indican maneras y revelan nuevas dimensiones...Hacer visible lo invisible. Cada día objetos son manipulados para captar sombras realistas. Algunos artistas que presentan este tipo de arte son: Kumi Yamashita, Tim Noble and Sue Webster, Shigeo Fukuda, and Larry Kagan Kumi Yamashita Artista japonesa que trabaja esculpiendo la luz y sombras. Las ilustraciones completas por lo tanto se comprenden del material (los objetos sólidos) y del indiferente (la luz o la sombra). El trabajo visual de Kumi Yamashita (Maebashi, Japón, 1968) palmeta paradojas y acertijos visuales que obligan al espectador a escudriñar la obra, a tratar de reelerla, para orillarlo después sin remedio al cuestionamiento del mundo material captado por los sentidos. Este tipo de arte es un movimiento del siglo XXI. La artista más reconocida es Kumi Yamashita quien empezó este movimiento. Todo esto aporta a la cultura porque son maneras nuevas de expresar el arte logrando la exactitud de las formas que crean las sombras a través de la luz. En el aspecto social inspira a otras personas a lograr hacer este tipo de arte ya que no depende de un pincel o un lápiz si no de saber poner las formas para lograr el objetivo. Es un tipo de arte que se puede hacer en cualquier lugar y eso es bueno para el artista. Se necesita la iluminación correcta para lograr lo deseado. Nota por: Nuria Rodríguez Para leer más: http://www.boredpanda.com/shadow-art-triantafyllos-vaitsis/ http://www.buzzfeed.com/expresident/21-amazing-examples-of-shadow-art#49fqtg2 http://www.kumiyamashita.com/light-and-shadow/ http://en.wikipedia.org/wiki/Shadowgraphy_(performing_art) El eclecticismo es un estilo de arte, diseño o arquitectura creado con la mezcla de estilos e ideas para crear un nuevo estilo. Crear un estilo ecléctico es muy complejo ya que para fusionar diferentes estilos debes conocer profundamente cada uno de los estilos o corrientes. Hoy en día el estilo ecléctico está en todos lados, podemos verlo en las calles por como se viste la gente, podemos verlo en nuestras casas por la fusión de muebles y objetos de distintas partes del mundo y podemos verlo también en la arquitectura de algunas ciudades. En la moda: Todos nosotros nos vestimos con un estilo ecléctico ya que estamos mezclando diferentes culturas al no solo vestirnos con estilo mexicano. Diseñadores como Betsey Johnson y Proenza Schouler son un perfecto ejemplo de la aplicación del estilo ecléctico en la moda, ambos mezclan diferentes corrientes y utilizan distintos objetos para crear colecciones originales. En el diseño: El eclecticismo también puede verse en el diseño, sobre todo, en el diseño de interiores. Hoy en día se usa mucho tener muebles antiguos en casa combinándolo con un estilo minimalista y moderno en la arquitectura. Las personas también van recolectando diferentes objetos en viajes por distintas partes del mundo y colocándolos como objetos decorativos en sus casas, esto le da originalidad a un espacio. En la arquitectura: En la arquitectura también podemos ver el estilo ecléctico. Arquitectos contemporáneos están haciendo construcciones hoy en día combinando distintos estilos, uno de los ejemplos populares es la fusión del minimalismo y estructuras antiguas. Para saber más: http://www.proenzaschouler.com http://www.betseyjohnson.com Nota escrita por Francisca López Pani. Las galerías de arte en la ciudad de México te abren las puertas éste fin de semana Las galerías de arte se asocian creando un increíble proyecto que beneficia la expansión del arte contemporáneo en nuestra ciudad a partir de la oferta y la gran calidad de trabajo artístico que tenemos en el país. Éste fin de semana se llevó a cabo la segunda edición del "Gallery Weekend México", una iniciativa de la revista Código. El "Gallery Weekend México" da espacio a artistas y a personas interesadas en el arte a dialogar, conocer artistas emergentes y sobretodo promueve el coleccionista de arte contemporáneo en el país. Dentro de la lista de las galerías que participaron en el evento destacan la galería Kurimanzutto, Proyectos Monclova, Nina Menocal, Ethra, Proyecto Paralelo, la galería OMR y la galería de Arte Mexicano. Cada galería presenta una exposición ya sean exposiciones colectivas o individuales de artistas contemporáneos. La entrada a las galerías es completamente libre y el "Gallery Weekend México" facilita el traslado de una galería a otra poniendo a tu servicio transporte gratuito que va de una galería a otra siguiendo dos diferentes rutas cada media hora. El evento tiene diferentes patrocinadores, entre ellos están Grupo Habita, Código, Cool Hunter MX, Cultura Colectiva y Time Out México. Así mismo se ha asociado con diferentes restaurantes para obsequiar una copa a todas las personas que estén haciendo el tour por las galerías. Es un evento muy enriquecedor ya que es una manera de lograr que las personas se sientan involucrados en el arte a través de la exposición, el fin de este evento es propiciar la venta y el coleccionismo de obras de arte contemporáneo y a su vez da a todas las personas la oportunidad de enriquecer su cultura. Para saber más:
www.galleryweekendmexico.com www.revistacodigo.com www.culturacolectiva.com www.coolhuntermx.com Nota escrita por Francisca López Pani "La belleza perece en la vida, pero es inmortal en el arte". Artistas, diseñadores y arquitectos usan la tecnología para explorar expresiones creativas, de una escultura fantástica a una belleza funcional. Nos encontramos en los tiempos en donde lo que se cree en las computadoras ya lo podemos tener en nuestras maos. El museo de Arte y Diseño (MAD) en la ciudad de Nueva York tuvo una exposición llamada "Fuera de la mano: Materializando lo postdigital" esta exposición mostraba métodos de fabricación y nuevas posibilidades que sugieren los artistas. También un nuevo tipo de arquitectura se está implementando a las formas de de diseño. El Instituto de Arquitectura Avanzada de Catalonia ha utilizado la transición de un movimiento utilizando nuevos materiales como polímeros térmicos, impresoras 3D, materiales inteligentes e innovaciones biológicas. En la moda diseñadores como Iris Van Herpen han innovado con nuevas colecciones a base de la impresión en 3D, estos diseños se hacen a base de alta costura y tecnología digital. Otros artistas como Noa Raviv también utilizan este metido para sus diseños al igual que muchos otros artistas contemporáneos. Artistas han empezado a copiar la naturaleza para crear diseños innovadores. Artistas y diseñadores re-examinan las nociones del cuerpo y de la representación humana al igual que su movilidad a través de avances digitales; Los escaneos corporales en 3D capturan la morfología y es usada para crear prótesis de alta tecnología Todo esto ha ayudado a que la manera de vivir de los seres humanos sea mejor, no solo mejorando en la tecnología si no mezclar la tecnología con el diseño para hacer objetos mas estéticos que cumplan con la misma función. En el ámbito social se puede decir que esto ha ayudado a las personas que necesitan de ayuda médica haciendo modelos 3D reales. Por otro lado también puede afectar a las personas que trabajan físicamente para fabricas disminuyendo la necesidad del trabajo de estas personas. Esto lleva al desempleo de muchas personas porque la tecnología empieza a reemplazar sus lugares. Es bueno que la tecnología siga avanzando y que la empiecen mezclar con el diseño ya sea para las innovaciones en el arte, moda, medicina, arquitectura, diseño y más. Nota por Nuria Rodríguez Leer más: http://www.wgsn.com/content/reports/#/Materials+&+Textiles//Inspiration/19805 http://www.archdaily.com/546834/ http://irisvanherpen.com "Las personas que quieren ser individuos, que quieren ser expresivos, rebeldes ... diferentes… usan Dr. Martens." Las botas Dr. Martens™ fueron diseñadas por el doctor alemán, Dr. Klaus Martens, quien sirvió durante la segunda guerra mundial y que en 1945 sufrió una fractura de tobillo esquiando en los Alpes Bávaros. Debido a la incomodidad de sus botas regulares, Martens, pensó en rediseñar las suelas de los zapatos acolchadas que una vez patentadas se conocerían como “AirWair.” Al final de la guerra, Martens se asoció con un ingeniero mecánico, Herbert Funck, para desarrollar el negocio de fabricación de las botas nuevas. Al principio utilizaron materiales reciclados. La goma y el metal para las suelas la conseguían de antiguos aeródromos de la Luftwaffe, los regimientos de las chaquetas del antiguo ejército fueron reutilizados como ojales y el cuero lo cortaban de los pantalones de los oficiales del ejército. Inicialmente eran muy populares entre la clase trabajadora debido a su comodidad y robustez para el uso en las fábricas y las obras de construcción. En el año 1960, el skinhead británico adoptó las botas acompañadas de pantalones pitillo cuando la compañía manufacturera de calzado, R. Griggs Group Ltd las introdujo al mercado inglés. Fue en los 70s que comenzaron a representar la identidad social de un individuo. Durante esta década los punks personalizaban las botas con pintura y cadenas mientras que los fanáticos del fútbol los adornaron con los colores de su equipo. El zapato comenzó a representar el “individualismo” y las naturaleza audaz y rebelde. Tribus urbanas como los skins, punks, two tone, Oi!, hardcore, psychobilly, goth, industrial, grebo, grunge, Britpop, y emo son unos ejemplos. Con la explosión tecnológica de la década de los 90s y en el nuevo milenio, la cultura juvenil cambió de manera radical. Es justo decir que las llamadas "tribus" no son tan visibles hoy en día, y a menudo pueblan el éter de internet en lugar de las calles de la clandestinidad. La cultura juvenil en el siglo XXI es una entidad mucho más complejo, más fluido y sin duda más entremezclados. Pero ciertamente no hay falta de innovación, la rebelión y la individualidad, tal vez ahora más que nunca son parte integral de la juventud. Las botas Dr. Martens fueron un éxito no solo por servir de representación cultural de las tribus urbanas pero también porque cualquiera las podía usar por su “cool look” y comodidad. Las botas se pueden usar con faldas, pantalones, shorts o vestidos, son una buena inversión porque se pueden usar en cualquier temporada, al igual que en distintos tipos de terreno como el campo, las montañas o la ciudad. Debido a los polímeros con los que están fabricadas, las botas Dr. Martens son muy resistentes y pueden durar muchos años sin daños físicos y los materiales suelen ser reciclables para fabricar nuevos pares de botas apoyando a la conservación del medio ambiente y control de desechos. Gracias al Dr. Maertens y las suelas de aire, “AirWair,” muchas otras compañías, como Nike, han invertido en innovación de suelas como el Air Max Sneaker o Air Jordan, para abarcar a más sectores de la población y contribuir al cuidado del medio ambiente utilizando materiales reciclados e innovando en diseños que pueden convertirse en el próximo icono cultural. Para saber más:
http://www.drmartens.com/us/history http://www.misspersonalchopped.com/2012/11/comomartens.html http://lamodaymisantojos.com/2014/01/16/vuelve-la-tendencia-de-las-dr-martens/ http://stylesalvage.blogspot.mx/2010/03/dr-martens-craft-of-iconic-shoe.html Nota escrita por Laura Maria Mandujano "La vida es una obra de arte" La exposición del artista Cy Twombly que está temporalmente en el Museo Jumex de la ciudad de México está compuesta por una serie de cuadros sobre lienzo de lino pintados con oleo y distintos materiales como grafito, crayón, gis y lápices de colores entre otros, estos cuadros se encuentran en la primera sala y son en su mayoría cuadros con colores pálidos cómo por ejemplo gamas de diferentes grises. En ésta misma sala hay una serie de cuadros más pequeños pintados sobre lienzo de papel y sobre madera con detalles pequeños un poco más coloridos. Cy Twombly es un artista Estadounidense nacido en el año 1928 y trabaja con el impulso creativo que tiene, utiliza líneas, garabatos y letras casi siempre sobre un lienzo blanco o parcialmente blanco. Twombly tiene cierta afinidad con Jackson Pollock a pesar de que su trabajo es más llamativo y el de Pollock más harmónico. La mayor parte de sus cuadros pertenece a la Twombly Foundation que él mismo creó, el resto de su obra pertenece a museos o a colecciones privadas. En la segunda sala de la exposición están los últimos cuadros que pintó Twombly así como sus esculturas, hechas con base de madera y otras con yeso y pintura neon. El cuadro más importante de la sala es un óleo sobre lino de tres flores, el cuadro es muy llamativo por sus colores azul y rojo. En la sala hay también series del pintor utilizando diferentes materiales pero con colores muy llamativos y alegres. En esta exposición se puede ver el contraste entre su obra más reciente con su obra anterior, al ver su exposición Paradise, puedes darte cuenta de la alegría y la positividad que tiene Twombly a su larga edad por la manera tan sutil en la que pinta y por los colores que utiliza. Su obra es contrastante ya que va de los colores un poco más pálidos a colores muy vivos y de líneas abstractas a figuras como por ejemplo las flores de su último cuadro. Cy Towmbly es muy imponente ya que utiliza colores llamativos y trabaja distintos materiales, es muy atrevido. Al ver la exposición puedes darte cuenta de que el es una persona muy creativa, diferente, liberada y feliz, Twombly es importante en las tendencias ya que tiene su estilo muy marcado, no imitaba a nadie y trataba de siempre ser muy original. Para saber más: http://www.cytwombly.info http://www.broadartfoundation.org/artist_78.html http://www.artnet.com/artists/cy-twombly/ Nota escrita por Francisca López Pani. “El agua es el único elemento de tu organismo que no puedes condensar.” LifeStraw es un instrumento que transforma el agua microbiológicamente contaminada en agua potable limpia y segura de tomar creada en el 2005. LifeStraw solo pesa aproximadamente 56 gramos y usa como sistema para transformar el agua contaminada en agua potable la tecnología de microfiltración de fibra hueca. LifeStraw puede filtrar un mínimo de 1000 litros (264 gallones) de agua eliminando 99.9 porciento de bacteria y parásitos protozoarios que existen en el agua no potable. Este filtro con poros de 0.2 µm de diámetro puede prevenir el paso a la mayor parte de bacterias y virus de gran tamaño sin embargo no es una herramienta esterilizante ya que las bacterias están en un rango de 0.1 a 600 µm mientras que los virus no sobrepasan regularmente los 0.1 µm en tamaño. LifeStraw está compuesto de plástico durable, libre de químicos y no requiere energía eléctrica, baterías o piezas de repuesto. Es fácil de usar y practico. Para usar solo succiona agua impurificada a través de LifeStraw y toma. Para enjuagar y limpiar después de beber sopla aire a través del popote. LifeStraw es económico y cuesta 20 dólares. Desde su introducción en 2005, LifeStraw se ha utilizado en los grandes desastres naturales como el terremoto de Haití y las inundaciones de Pakistán. El impacto cultural que a tenido LifeStraw en las vidas de los haitianos les ha cambiado la vida así como disminuir la muerte por cólera, hepatitis E y diarrea. LifeStraw también les a transformado la vida de los Colombianos que viven en zonas rurales y extremada pobreza. LifeStraw no solo ayudará a comunidades que han sufrido desastres naturales sino también a comunidades sin acceso al agua potable. LifeStraw tiene un impacto ambiental positivo porque ayuda a reducir el desecho de botellas de agua. El impacto ambiental que LifeStraw tendrá servirá para reducir el consumo de botellas de plástico para tomar agua igual que la contaminación y el calentamiento global, el cual provoca el desecho de las botellas de plástico. Debido a las numerosas aéreas de aplicación y bajo costo, LifeStraw se presenta como una solución a algunos de los problemas que enfrentamos hoy en día como la distribución de agua purificada y la lucha para reducir la cantidad de desechos no degradables. Para saber más: http://beyondblindfold.com/this-simple-affordable-technology-is-going-to-make-history-meet-the-lifestraw.html http://www.vestergaard.com/lifestraw-personal http://www.buylifestraw.com Nota escrita por Laura Maria Mandujano |